casaviva ©2006 | Emily Barton, Philadelphia ©1996
Abril 2006
En casa de Raquel Cohen
"La luz es amor, bondad y generosidad"
A lo largo del tiempo la obra de Raquel Cohen ha conseguido expresar con fidelidad toda la carga de lo vivido, lo aprendido y lo disfrutado y el entusiasmo ante lo que le queda por vivir, aprender y disfrutar. Etéreas y fascinantes, sus criaturas de luz acumulan sabiduría: brillan cuando cae el sol y muestran colores, formas y texturas durante el día. De Chicago, su ciudad natal, le conmueve la música que vivió intensamente en su infancia. En Barcelona, su ciudad de adopción, ha desarrollado su obra de madurez. Entre una y otra ha ido acumulando experiencias que han acabado reposando en los recovecos de su trabajo. Por ello, al contemplarlas, atraen y seducen en lo más intimo. Cerca de la ciudad, pero en medio del bosque, Raquel emprende cada día el camino de la creación que, sin ritual que valga, intenta que finalice con una nueva sorpresa.
¿Cómo es la luz de Chicago?
Es una luz muy nítida, cielos de Pampa con enormes nubes de algodón y mucho viento que, como la Tramontana, lo limpia todo. La presencia de la gran masa de agua que es el lago Michigan refleja la luz en las superficies brillantes de los rascacielos.
¿Crees que ese origen determinó tu trabajo?
Mi infancia en EEUU donde, de alguna manera, se deja sentir la presencia india y la espontaneidad que da la ausencia de un peso histórico, me ha ofrecido una libertad especial que se plasma en mi trabajo. Fue importante también pasar todos los sábados de la High School en el Art Institute of Chicago (estudiaba en la Junior School) donde se despertó en mí un profundo entusiasmo por el arte que podía ver con los ojos frescos de una adolescente.
¿Dónde empieza a gestarse tu obra?
Estudié Bellas Artes en Boston un año y medio y el destino parecía ser Nueva York, pero mi vena nómada se impuso y así pasé toda la época de los setenta viajando. En Sudamérica, don de viví cinco años, recorrí distintos países. Expuse mis primeros trabajos en Lima, Santiago y Buenos Aires. El origen de mi obra fueron unos objetos realizados con lo que recogía en la playa: huesos, conchas, trozos de barcos... El mar fue el nuevo comienzo. Los paseos por las orillas del imponente Pacífico y el trabajo de recolección en las brumas limeñas.
Reciclaje y collage.
Era una obra inspirada en los retablos coloniales con su carga sagrada y un gran componente fetichista. En la playa, además de conchas, había trozos de casas antiguas de madera, huesos lamidos por el mar, muñecas desteñidas. Todo eso se juntaba con mi técnica de pegar entonces precaria.
Barcelona debe una pequeña parte de su fisonomía arquitectónica a la Escuela de Chicago, pero no debió ser eso lo que te atrajo aquí.
En Sudamérica había demasiadas dictaduras, toque de queda, y por eso nos fuimos. Me atrajo de esta ciudad el poso de la historia, el Mediterráneo, y la abertura después del franquismo. A pesar de que esta sociedad se está americanizando mucho, bajo las capas superficiales se encuentra todavía la cultura milenaria.
En el principio se hizo la luz. ¿Cuándo empezó esa fijación?
Mi obra se gestó cuando vine a vivir a esta casa con su vista espectacular de la ciudad iluminada por la noche. La vista fue un punto de partida y empecé a hacer piezas que se pudieran integrar en ella. Por otro lado, durante muchos años, con mi compañero, deambulábamos por la noche en las ciudades donde vivíamos, como Lima, Buenos Aires, Saõ Paulo. Caminando sin rumbo descubríamos la otra cara de la ciudad, en la que la noche borra las fealdades y los entornos iluminados se convierten en auténticas escenografías. Las caminatas fueron una iniciación a la dimensión de la luz y la oscuridad, al descubrir el efecto de ambas en el alma de la ciudad.
Mediante la luz se consigue la dramatización de un espacio al transformar una habitación vulgar en una galaxia. Se trata de un acto que nos despierta la parte más infantil del ser humano, ahí donde radica la capacidad de sorprenderse, de entusiasmarse. ¿Te has dado cuenta de ese poder?
Con el tiempo he visto cómo la luz abre los espacios al rebotar en las paredes, nos recuerda algo inefable que llevamos grabado en nuestra memoria, y sí, posiblemente, nos devuelve a un estado infantil de asombro. Venimos de la luz y vamos hacia ella, de ahí que trabajar con la luz sea adentrarse en un mundo sin límites en el que reina la sorpresa.
¿Cómo entiendes la luz?
No se puede hablar de ella sin tener en cuenta su simbolismo profundo y universal, porque en todas las cosmogonías del mundo cualquier signo sagrado está rodeado de luz. El primer elemento que se manifiesta, tanto en la religión como en la ciencia, es la luz. Tiene un poder hipnotizante, pero que te calma, y eso en el mundo en que vivimos es muy importante. La luz es amor, bondad, generosidad... Somos criaturas de luz.
Dices que te fascina la cualidad del material para ofrecer un resultado inusual y no siempre controlable, donde también hay sorpresa para tí.
Es excitante y nunca deja de sorprenderte. De hecho, si al encender una pieza me deja fría es que algo ha fallado.
¿Sientes algún vínculo con otros artistas que hayan trabajado con la luz?
En realidad no, pero respeto mucho a James Turrell porque lo considero un poeta de la luz. Siempre he intentado llevar mi propio camino tratando de encontrar maneras que me sorprendan y me conmuevan.
La luz, como elemento funcional, ¿no temes que distraiga para convertir la escultura en lámpara?
Me obliga únicamente a considerar donde esconder un mecanismo necesario y que nunca debe estar a la vista. Las piezas son ligeras y deben tener la capacidad de contener, lo que es determinante, pero nada más.
Elementos orgánicos, fósiles que tuvieron un pasado glorioso en un mundo que les fue más propio... Tus criaturas siempre son seres fantásticos. ¿Están en tu imaginación?
Las formas orgánicas brotan de la naturaleza, de la tierra, del mar, de los cielos. A todo el mundo le gustan. Qué casa no tiene piedras, troncos o caracolas. Nos atraen porque estamos hechos de la misma materia, desde las células hasta los planetas. Nos reconfortan estas formas porque contienen la promesa de vida y emulan la naturaleza.
Aunque su tamaño sea generoso, tu obra no invade sino que acompaña.
Si, son criaturas pensadas para vivir junto a ellas cotidianamente. Creo que pueden generar una atmósfera muy evocadora que facilite la intimidad ya que elijo formas orgánicas y sensuales. Así pueden habitar los espacios como lo hacen las plantas, las rocas...
Las piezas tienen la virtud de poseer dos personalidades: día y noche.
De día las formas muestran su piel, colorido y contorno. Busco crear superficies ricas en texturas y emulo las venas y las arterias de cualquier forma orgánica donde puede circular la vida. De noche crean mundos de transparencias luminosas como cortinas de estrellas que se suman.
El realizar series como "criaturas', "barcos", "asteroides" ¿te permite profundizar?
Lo hacemos todos los artistas porque no apetece acabar una idea en una sola pieza. Hay que profundizar más, retomar las ideas, revisarlas continuamente e, incluso, llegar a realizar una pieza que funcione como un juguete y pueda despertar la parte lúdica de cualquiera de nosotros.
Haces esculturas de interior y de exterior.
Amo a las plantas que regalan un placer infinito, por lo que realizo muchas piezas que puedan integrarse con ellas. En los jardines grandes se necesitan piezas contundentes, pero en una terraza o en un patio, donde la gente pasa muchas noches en verano, es muy agradable tener algo que conviva con ellas.
¿Concibes tu casa sin tu obra?
Mi casa es también mi showroom. Aquí tengo las piezas pequeñas y utilizo el espacio como un campo de experimentación porque veo las piezas, las cambio de sitio, etc. Mi obra me acompaña.
Tienes una visión clara de la interrelación entre tus piezas y el espacio. Aqui celebras una performance entre vida y obra.
Mi trabajo es el resultado de todo lo que viví y que me ha impactado en América, la India, África... Me siento más participe del arte antiguo. Creo que los escultores somos creadores de totems y estas piezas tienen algo de eso.
La casa y el estudio son dos mundos can vida propia.
Son muy distintos energéticamente hablando. El estudio es santo, como un templo. Al llegar y al marcharme observo el espacio y lo siento como un sueño. Estoy como un monje. Encontrarlo me cambió la vida porque pude ver la obra en toda su dimensión. La casa es vivir: comer, recibir gente... En el estudio lo que quiero es entrar en trance para conectarme con lo que estoy haciendo, sin pensar en otra cosa. En invierno, cuando el sol desaparece, me voy. Mi trabajo coincide con la luz natural.
Trabajas en medio del campo, en total aislamiento. ¿Necesitas esa introversión?
El aislamiento me permite concentrarme. Creo que todos los escultores son currantes, vigorosos y vitalistas. Todos están haciendo trabajos muy manuales y trabajando muchas horas. Si no hay distracción, te olvidas del tiempo y es la gran bendición. Llego sobre las seis de la mañana y no paro. Nadie me viene a visitar. No tengo teléfono ni móvil. Mis horas son muy productivas. Al finalizar, cojo mi bicicleta, paseo por la carretera de las Aguas y es un día muy completo.
Ni televisión, ni móvil y lectora apasionada.
Trato de mantener mi pantalla lo más diáfana posible. Soy como una esponja y no puedo ver nada de lo que no me vuelvan las imágenes después. Uno llega a una edad en la que puede y debe elegir y hay cosas que ya no me interesan. En cambio, la lectura es otra cosa. Después de una jornada de trabajo llegar y leer lo que te está fascinando y obsesionando en ese momento es un placer enorme y muy enriquecedor.
También la música es importante para ti.
En el estudio tengo música para las distintas épocas del año. En verano, la tropical: africana, cubana, brasileña... Y en invierno: blues, jazz, clásica... Cambio la colección con el cambio de temporada. Lo que más me identifica con Estados Unidos y conmueve es la música: el jazz y el blues de mi niñez.
RAQUEL COHEN. 10 FLASHES
LA MEJOR VISTA
Las que vi en Nepal y en el Sahara.
ACERCARSE AL DETALLE
Si, con carino.
LA NATURALEZA
Me fijo en las plantas. La ultima vez que fui a Chicago era primavera y me quede admirada con las flores, los arboles inmensos...
QUE TE ATRAE DE LA GENTE
La ternura, la generosidad. la bondad.
UN DESTINO PARA UNA ESCAPADA
Una ruta en bici por Extremadura o Andalucia.
UN GOLPE DE SUERTE
En las caminatas nocturnas que hicimos por Barcelona saliamos del Raval, donde viviamos en los 80, y llegabamos hasta aquÃ. Era nuestra ruta predilecta. La casa estaba abandonada entonces y soñabamos con este lugar. Cuando me la enseño una agencia inmobiliaria no me lo podia creer.
TU CASA DEBE TENER
Jardin, me resulta fundamental y, si puede ser, mucho espacio, que considero un lujo, y una azotea para pasar las noches de verano.
EN EL ARTE
Cuando a los 19 años estudiaba Bellas Artes en Boston fui a ver una retrospectiva de Joseph Cornell y de hecho mis primeras obras provenian de ese mundo privado y fetichista. Creo que aunque mi obra es muy distinta ahora sigue habiendo ese mundo privado e intimo que respira su obra y hace sonar.
SABER VIVIR, ¿UN ARTE?
Totalmente, el más grande. también es un arte, o un talento, ser feliz.
ESTAS LEYENDO...
La presencia del Pasado de Rupert Sheldrake... Resonancia morfica y habitos de la naturaleza.
Raquel mima todo lo que le rodea. Le gusta meditar, cuida la alimentación, enriquece su mente y eso se percibe en una armonÃa equilibrada y pasional. En mi vida hay una disciplina en la que todo contribuye para el momento del trabajo creativo. Cuando cojo la bicicleta para ir al estudio me siento llena de vida y asà comunico a mi obra esa vitalidad y pasión.
© 2006 Casaviva
casaviva ©2006 | Emily Barton, Philadelphia ©1996
Light Sculptures
The first mythic sign of the world coming into existence was light. But it came, it was called, out of the nuturing darkness.
If you come upon a city at night, from above, at a distance, you marvel at the beauty of its constellations. As much as your ancestors did at the companionable but far-off campfires of the stars.
Certain phenomena have the power to quell the cantakerousness of the mind. The moon when it appears but a little fishing boat made out of rice paper, fireflies hovering at waist level in summer, sending out their flares, and suggesting how angels might work, manta rays illuminating the sea from within its folds, fusing fire and water together.
Raquel Cohen's light sculptures praise and work from this extra-human visual world. A Chicagoan, who has long resided in Barcelona, Cataluña, she uses, in these fragile powerful lamps, familiar forms and universal signs. She has reached this happy state through a lenghty series of absorptions and struggles with a particular place. Where the sea and the city and the hills and the sky are twisted together like fibers of a rope.
All visual art depends upon play with light. By incorporating all the neccessary illumination of these pieces directly into their bodies, and using light as just another material, a pleasing integrity is achieved. The pieces stand alone-surely a fundamental ambition of an artist for her work. Their muted intensity and undomestic forms invite the exterior night to enter the human room.
Jonathan Barton
An Interview with Raquel Cohen
EMILY BARTON: You have written than "the huge picture window with its spectacular view of the city lit at night was the point of departure of my work." When you first began making light sculptures, did you want to reflect or redefine the urban night?
RAQUEL COHEN: The view from the entire house has served as a source of inspiration all of the time that I have lived here. When I open the front door, I face, first, the vista of green hills, then the city spread out below, and beyond that, the Mediterranean sea. At night, the effect is truly mesmerizing... I feel that I am looking out onto a display of jewels.
When I first set about creating my space here, it become evident that I would need special lighting to enhance the magic of the night view; normal lamps reflected the room's interior on the surface of the windowpane and thus diminished the jewel effect. At the time, I was making boxes influenced by Joseph Cornell, so I began to incorporate light inside the boxes in an attempt to create my own illumination. From the outset, a dialogue was establishing itself between this breathtaking nocturnal view of city lights and my modest little boxes. In an old warehouse, I found vividly colored glass rods, which echoed the jewel effect, and, to my delight, also created eerie distortions when placed in front of painted figures. This opened up new possibilities that took me out of the boxes. At that time, I started making sculptures. In the beginning, it seemed that the pieces were eclipsed by the window, and I struggled in competition with it. But when the first vessels floated into this space, with the jeweled night behind them (the Moonboats), the dynamic was established that continues to this day.
When I first set about creating my space here, it become evident that I would need special lighting to enhance the magic of the night view; normal lamps reflected the room's interior on the surface of the windowpane and thus diminished the jewel effect. At the time, I was making boxes influenced by Joseph Cornell, so I began to incorporate light inside the boxes in an attempt to create my own illumination. From the outset, a dialogue was establishing itself between this breathtaking nocturnal view of city lights and my modest little boxes. In an old warehouse, I found vividly colored glass rods, which echoed the jewel effect, and, to my delight, also created eerie distortions when placed in front of painted figures. This opened up new possibilities that took me out of the boxes. At that time, I started making sculptures. In the beginning, it seemed that the pieces were eclipsed by the window, and I struggled in competition with it. But when the first vessels floated into this space, with the jeweled night behind them (the Moonboats), the dynamic was established that continues to this day.
EB: Barcelona is both structurally and culturally quite different from Chicago, were you were raised. How has each urban environment shaped your aesthetic?
RC: While I would be hard pressed to find a direct link between the urban aesthetic of Chicago and the work that I do, the city's cultural offering and spirit have certainly shaped me. To me, Chicago is the quintessential American city -prosperous, vital, and rooted in solid, midwestern values. As a teenager I was exposed to her rich tradition of blues and jazz, and heard music performed by the giants in small clubs. I went regularly to the Field Museum of Natural History, and studied at the Junior School of the Art Institute of Chicago. There's no way of knowing how the fossils I visited or the treasure troves I passed on my way to Saturday classes have surfaced in my work, but they are definitely part of my background.
Barcelona is a very different kind of city, with a rich and fascinating history alive in the stones of the alleyways and streets where I've wheeled about on my bike these past sixteen years. One cannot underestimate the impact of the Mediterranean on civilization here; the presence of the sea itself is fundamental to the personality of the city. (Proximity to a large body of water is one of the few things I see the two cities as sharing.) So, there is a wealth of symbolism in the very urban texture of the place. It enters one's skin and one's dreams, especially if one is a receptive woman. The works of Barcelona's greater artists Gaudó and Miró form a constant presence in this city, an important part of its urban aesthetic and of the very air this city breathes.
Barcelona is a very different kind of city, with a rich and fascinating history alive in the stones of the alleyways and streets where I've wheeled about on my bike these past sixteen years. One cannot underestimate the impact of the Mediterranean on civilization here; the presence of the sea itself is fundamental to the personality of the city. (Proximity to a large body of water is one of the few things I see the two cities as sharing.) So, there is a wealth of symbolism in the very urban texture of the place. It enters one's skin and one's dreams, especially if one is a receptive woman. The works of Barcelona's greater artists Gaudó and Miró form a constant presence in this city, an important part of its urban aesthetic and of the very air this city breathes. EB: Do you consider yourself an American artist? An expatriated artist? A Spanish artist? Do the light sculptures function differently in your native culture than in the culture you've adopted?
RC: I feel at home here; the word expatriate; seems foreign to me. At this point, I find myself in the comfortable -and, as I see it, advantageous for an artist- position of the outsider, acknowledging and accepting my North American roots, fascinated by the manifestations of American culture as seen from the outside, and stimulated whenever I am fortunate enough to spend sufficient time in the States to feel the pulse of what's going on. While Spain, or more precisely Cataluña, is my home -and I feel a deep affection for the place and people- I don't consider myself Spanish or Catalan, but, rather, a kindred spirit.
The latter part of the question is difficult to answer, because this will be the first time that I show my work in the States. In Europe, I find more simpatía for my works -especially here in Cataluña- among the younger generation. So, I imagine, they'll be quite at home in a country with as young a spirit as the United States. I like to think that the imagery I use is universal; I don't think its function differs from place to place.
The latter part of the question is difficult to answer, because this will be the first time that I show my work in the States. In Europe, I find more simpatía for my works -especially here in Cataluña- among the younger generation. So, I imagine, they'll be quite at home in a country with as young a spirit as the United States. I like to think that the imagery I use is universal; I don't think its function differs from place to place.
EB:
Many of the sculpture lamps take on animal forms, but never of those creatures we endow with human qualities -foxes, for example, or wolves, or house pets. Instead, the animals featured in your work are those with few recognizable human qualities -the snakes and sea-creatures that both fascinate and frighten us. Do these creatures invoke a sense of otherness, of difference, from the viewer, or do they reinforce our sense of ourselves as natural beings?
Many of the sculpture lamps take on animal forms, but never of those creatures we endow with human qualities -foxes, for example, or wolves, or house pets. Instead, the animals featured in your work are those with few recognizable human qualities -the snakes and sea-creatures that both fascinate and frighten us. Do these creatures invoke a sense of otherness, of difference, from the viewer, or do they reinforce our sense of ourselves as natural beings? RC: The fascinating and frightening beauty of the sea at night, where ancient creatures such as the manta ray illuminate the waters with their electrical currents, seems to find an echo in my feminine consciousness, with its predilection for mystery. These creatures belong to a realm rich in meaning -throughout the millennia and across countless cultures. They speak to something that lives in our memory, indelibly engraved in some recondite corner of the consciousness. The skeins of meaning they unravel are myriad; perhaps we sense their otherness -yet, perhaps, some part of us remembers roaming the seas in darkness on majestic wings.
EB: Do the biomorphic forms in combination with soft, enveloping light mean to suggest an image of feminine creativity?
RC: These light vessels do suggest the feminine. Their natural habitat is the night. And this is woman's realm.
EB: Many light sculptors -especially Dan Flavin, but even a more conceptual artist like Chris Freeman- combat the structurelessness, or the boundlessness, of light with rigid forms that proclaim themselves as sculptural. Your work, despite its concern with the intricacies of form, seems to treat light as a sensual force -to sculpt with it rather than in it. How is it different working with light than with some of the more solid materials you employ?
RC: The possible combinations of color, materials, and form are endless, but light as a medium opens into unknown, ethereal realms. And while sculptors work with materials that are alive, the life force of light, with all the very profound symbolic meanings it enfolds, places it in a different category. We are dealing with undefinable atmospheric qualities. Perhaps a theater lighting expert could explain more eloquently than I how light can transfigure a space so dramatically, how it can transform a tiny room into a galaxy simply by bathing floors, ceilings and walls with fleeting points of light. This ineffable effect on surrounding space fascinates me. The light sculptor possesses a medium that transcends the material realm. EB: How did the first lamp in the series evolve? How do these Luminous Creatures continue evolving as you delve deeper into the series?
RC: From the moment that I began actually to build these things, and was no longer dependent upon what I could find in the street or flea market, the evolution of the work took on a different pace. Now, I was able to create the sculptures with the deliberate intention of developing ideas in the series.
Painted surfaces took the place of the painted copper -a major breakthrough. A new, passionate world opened to me, and I found myself looking as though for the first time at color. The copper had provided a ready-made skin for these bodies with a life of its own -the very real life of metal- but I now needed to create a similar effect using pigments. I began to deliberate more over the choice of color (whereas the patina was automatic), and came to my first elementary conclusions about its weight, density, vibrational quality, etc. At the same time, in bathing the colored interior of the structure with light, I discovered a fascinating avenue that I have just begun to traverse.
Now, my journey begins. I now have the skills necessary to express myself, and an incipient language of my own. To distill meaning from eternal symbols and to be able to communicate them, to cultivate my feminine receptivity and capacity to contain, to enter silently into the dimension where beauty and knowledge are one, this is my intention for the evolution of my work.
Painted surfaces took the place of the painted copper -a major breakthrough. A new, passionate world opened to me, and I found myself looking as though for the first time at color. The copper had provided a ready-made skin for these bodies with a life of its own -the very real life of metal- but I now needed to create a similar effect using pigments. I began to deliberate more over the choice of color (whereas the patina was automatic), and came to my first elementary conclusions about its weight, density, vibrational quality, etc. At the same time, in bathing the colored interior of the structure with light, I discovered a fascinating avenue that I have just begun to traverse.
Now, my journey begins. I now have the skills necessary to express myself, and an incipient language of my own. To distill meaning from eternal symbols and to be able to communicate them, to cultivate my feminine receptivity and capacity to contain, to enter silently into the dimension where beauty and knowledge are one, this is my intention for the evolution of my work.